Главное в истории русского искусства

Издательство «Манн, Иванов и Фербер» представляет книгу Марии Швец «Главное в истории русского искусства».

Книга рассказывает об истории развития русского искусства со времен Киевской Руси до 1917 года — об основных стилях, жанрах и материалах, а также знакомит читателя с 55 наиболее значимыми полотнами русских живописцев — от Андрея Рублёва до Казимира Малевича. Мария Швец объясняет, как развивалось русское искусство, кто создавал моду на стили и жанры, что они собой представляли, где и когда были впервые использованы. Книга знакомит читателей с лучшими и известнейшими образцами русской живописи и скульптуры и показывает различные техники и материалы, использованные при их создании. Структура книги позволяет любому читателю легко перемещаться по основным стилям, элементам и материалам и знакомиться с историей развития русского искусства, изучая информацию о великих полотнах, написанных в разное время. В книге четыре раздела: «Темы и жанры», «Направления и стили», «Произведения» и «Техники и материалы».

Предлагаем прочитать фрагмент книги.

Русский авангард

Основные группы: «Союз молодежи» • «Бубновый валет» • «Ослиный хвост»

Русский авангард — обобщающее название новаторских художественных течений начала ХХ века, которые провозглашали решительный отказ от классических норм и принципов искусства. В работах авангардистов соединились элементы различных европейских направлений — постимпрессионизма, фовизма, кубизма, экспрессионизма, футуризма и др.

Темп смены художественных тенденций был крайне высок: на протяжении творческого пути мастера авангарда не единожды меняли свою живописную манеру и выступали авторами собственных концепций и манифестов. Кроме того, авангардисты смело экспериментировали с материалами и средствами выразительности: упрощали формы, утрировали цвета, использовали техники коллажа и ассамбляжа, компонуя на плоскости объемные предметы.

Одно из самых значительных объединений авангарда — общество художников «Бубновый валет», названное по одноименной выставке, которая прошла в Москве в 1910 году. У его истоков стояли Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Илья Машков, Пётр Кончаловский и Аристарх Лентулов. Эти художники бунтовали против официальной живописи Академии, реализма передвижников, а также эстетизма символистов. Бубновалетцы стремились вернуть искусству ясность и однозначность, создавали яркие, жизнерадостные работы и вдохновлялись народным творчеством.

Именно в русле авангарда зародилось абстрактное искусство — художники 1910-х тяготели ко всё большему разложению художественной формы и стремились достичь «чистого» искусства, освобожденного от необходимости подражать образам видимого мира.

Главное
Стилистические черты русского авангарда многообразны: художники постоянно экспериментировали и изобретали направления, эпатируя публику своими произведениями. Авангардисты отказывались следовать традициям прошлого и утверждали радикально новые принципы искусства. Алексей Моргунов изобразил лидеров русского авангарда, иронически обыгрывая композицию работы Эдуарда Мане «Бар в "Фоли-Бержер"» — на место живописи XIX века пришло новое искусство геометризированных форм, грубых контуров и ярких цветов.

Портрет Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова
Алексей Моргунов, 1913. Холст, масло, 104,1 × 136,5 см. Чикагский институт искусств, Чикаго, США

Неопримитивизм

Основные фигуры: Михаил Ларионов • Наталья Гончарова • АЛЕКСЕЙ МОРГУНОВ • Илья Машков • Пётр Кончаловский

Неопримитивизм считается первым течением русского авангарда. Его появление связывают с деятельностью художников, организовавших выставку «Бубновый валет» в декабре 1910 года. Представленные на ней работы произвели настоящий скандал: художники, названные затем неопримитивистами, демонстративно отрицали главные явления как классического, так и современного им русского искусства.

Вместо античности, которая была основой для живописи и рисунка в Академии, они находили образцы для подражания в творчестве художников-самоучек и лубочных картинках. В противовес идейности и серьезности реализма передвижников композиции неопримитивистов были наполнены юмором и смехом. Буйство красок и сюжеты, вдохновленные обыденной жизнью, резко отличали их работы от произведений символистов. Наконец, взамен западничества неопримитивисты обратились к культуре Востока и использовали мотивы из росписей китайского фарфора, японской гравюры и персидской миниатюры.

Плоскостные фигуры и черные контуры, нарушения перспективы и добавление текста в композиции, нарочито грубая манера живописи и яркие, кричащие цвета делали работы профессиональных мастеров похожими на вывески торговых лавок или неумелые детские рисунки. При этом каждый художник разрабатывал собственный круг сюжетов и мотивов. Например, Михаил Ларионов изображал сцены в кабаках и парикмахерских, солдат в казармах и провинциальных франтов. Илья Машков писал красочные натюрморты с самоварами и портреты людей в расшитых рубашках, а Наталья Гончарова работала в области религиозной живописи, заимствуя из языка иконописи лаконичность и ясность силуэтов.

Главное
Неопримитивисты бунтовали против интеллектуального и сложного искусства, намеренно эпатировали публику и искали принципиально новые источники вдохновения. Их произведения — синтез высокого и обыденного, смесь разных культур и эпох. Так, например, картина Натальи Гончаровой «Курильщик» соединила в себе черты современного западного искусства и русского народного творчества — намеренно уплощенная фигура одновременно отсылает и к работам Поля Сезанна, и к стилю «подносной живописи» какого-нибудь анонимного художника-любителя.

Курильщик (стиль подносной живописи)
Наталья Гончарова, 1911. Холст, масло, 100 × 81 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Лучизм

Основные имена: Михаил Ларионов • Наталья Гончарова • Михаил Ле-Дантю • Александр Шевченко

Лучизм — исключительно русское явление авангардного искусства. Изобретателем и главным теоретиком этого течения был художник Михаил Ларионов, который создал первую лучистскую работу в 1909 году, а с 1911-го работал над составлением «Манифеста лучизма».

В основе лучизма лежит идея о том, что в действительности человеческий глаз видит не сами предметы, а лишь лучи света, отраженные от них. Сумма этих лучей, окрашенных в разные цвета, отображается на живописных произведениях заостренными линиями. Михаил Ларионов выделял два вида лучистских работ: «реалистические», на которых эти линии складываются в портрет, пейзаж или натюрморт, и «пневмолучистские», в которых пересекающиеся штрихи как будто заслоняют предмет, образуя абстрактную композицию. Так, художник-лучист использует реальность как повод для изображения и формирует из цветных линий узнаваемый, хотя и несколько схематизированный образ. Однако истинным объектом изображения оказывается не материальный предмет, а лишь отраженный от него свет, поэтому лучизм находится на стыке фигуративного и абстрактного искусства.

Сам Ларионов сравнивал такие произведения с миражами, которые стирают границы между плоскостью картины и натурой. Художник считал, что лучистские работы — объемные изображения, строящиеся за счет иллюзии пересечения множества плоскостей, на которых находятся лучи.

Главное
Лучизм как художественное течение просуществовал всего несколько лет и не был широко распространен — в нем работали друзья и коллеги Михаила Ларионова по группе «Ослиный хвост», а также сам автор этой концепции. Однако лучизм стал основой для появления абстракции в русском искусстве. Ларионов считал, что, изображая не сам предмет, а лишь отраженные от него лучи, художник передает четвертое измерение, и именно в этом заключается наивысшая задача искусства.

Петух (лучистый этюд)
Михаил Ларионов, 1912. Холст, масло, 68,8 × 65 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Кубофутуризм

Основные имена: Наталья Гончарова • Казимир Малевич • Давид Бурлюк • Ольга Розанова • Надежда Удальцова • Александр Богомазов • Иван Клюн

Кубофутуризм — авангардное течение в русской живописи, которое сформировалось на основе слияния принципов кубизма и итальянского футуризма. В работах его представителей фрагменты окружающей действительности перемежались с абстрактными геометрическими формами. Кроме того, художники стремились передать динамику современной жизни, изображая разновременные фазы движения объектов.

Русский кубофутуризм был тесно связан с поэзией футуризма. Заумный язык и рваный ритм произведений «будетлян» — Давида Бурлюка, Велимира Хлебникова, Алексея Кручёных, Владимира Маяковского и др. — нашли отражение в изобразительном искусстве. Художники и поэты работали вместе в книжной сфере и создавали сборники стихов и манифесты, в которых изображения и тексты дополняли друг друга. Слова, буквы и знаки препинания часто встречаются и в живописных работах, так что картины напоминают ребусы и визуальные шарады.

Распространенными мотивами кубофутуристических полотен были изображения города, транспорта, промышленных объектов, механизмов и электрических приборов. Художники дробили формы видимого мира и собирали из них намеренно хаотичные и бессвязные композиции. Излюбленными техниками кубофутуристов были коллаж и аппликация, которые позволяли внести в работы элемент случайности.

Главное
Кубофутуристы отвергали традиции искусства прошлого и вдохновлялись динамичной современностью. Эстетика кубофутуризма формировалась в синтезе с поэзией русских футуристов, а также, как следует из названия, живописью кубизма и футуризма. Особенностью этого течения также было значительное количество женщин-художниц — например, во время поездок по Европе Александра Экстер создавала кубофутуристические образы городов, разбивая пейзаж на множество форм и плоскостей.

Александра Экстер. Флоренция, 1914–1915.
Холст, масло, 100 × 146 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Абстракционизм

Основные имена: Василий Кандинский • КАЗИМИР МАЛЕВИЧ • Ольга Розанова • Михаил Матюшин

Абстрактное искусство, которое в рамках русского авангарда называют беспредметной живописью, отказывается от подражания реальности. Вместо явлений окружающей действительности объектами для изображений становятся формы, линии и цвета, а в основе выразительности композиций лежат отношения между этими элементами.

Первооткрывателем абстракции считается Василий Кандинский — в 1910 году он создал первые абстрактные рисунки в качестве иллюстраций к своему теоретическому труду «О духовном в искусстве». Вскоре он написал самостоятельные работы, полностью состоящие лишь из красочных пятен, — такие произведения Кандинского относят к эмоциональной, или спонтанной абстракции, с помощью которой художник стремился выразить чувства и эмоции. Другим крупным теоретиком и практиком беспредметного искусства был Казимир Малевич. Он создавал так называемую геометрическую абстракцию, стремясь разложить живопись на первоэлементы и тем самым создать «чистое», «абсолютное» искусство.

Начиная с 1910-х, к беспредметности стали обращаться многие русские художники — кто-то ограничивался единичными экспериментами (как Наталья Гончарова в работе «Пустота» 1913 года), другие превращали ее в главный принцип своего искусства (например, Ольга Розанова), а также наделяли абстрактную живопись духовным содержанием и делали ее носителем философской идеи (как Василий Кандинский или Казимир Малевич).

Главное
Абстракционизм, или беспредметное искусство, — одно из крупнейших течений русского авангарда. Абстрактные работы не изображают объекты зримой реальности, а состоят исключительно из форм, точек, линий, окрашенных в разные цвета. Автором первых таких полотен был Василий Кандинский, однако более широкое распространение в России получила геометрическая абстракция, которая значительно повлияла на раннее советское искусство в области живописи, графики, дизайна и архитектуры.

Импровизация 35
Василий Кандинский, 1914. Холст, масло, 110 × 120 см. Художественный музей, Базель, Швейцария

Супрематизм

Основные имена: Казимир Малевич • Любовь Попова • Ольга Розанова • Александра Экстер • Иван Клюн • Николай Суетин • Сергей Чехонин

Супрематизм — разновидность абстрактного искусства, которая была разработана Казимиром Малевичем. Слово происходит от латинского supremus, что означает «наивысший» или «превосходная степень чего-либо». Впервые название использовалось для обозначения работ художника, показанных на последней футуристической выставке «0,10» («Ноль, десять») в 1915 году.

Малевич считал, что истинное искусство заключается не в подражании натуре, а в господстве «чистой» живописи. Супрематические композиции состоят из простейших геометрических форм на белом фоне. Цвет не используется для обозначения качества изображенного предмета, а становится самостоятельным выразительным элементом. Супрематические работы Малевича лишены сюжета и повествовательности, изображения не ассоциируются с явлениями видимого мира, но наделяются собственной символикой. Например, белый цвет — бесконечное пространство света, черный — экономия энергии, а квадрат — «нуль форм» и базисный элемент бытия.

Развитие супрематизма пережило три последовательные стадии. Первый этап начался в 1915 году, Малевич называл его «черным» супрематизмом. В то время художник создавал лаконичные картины с изображением черных и красных квадратов, кругов, крестов и линий. Второй этап, «цветной», включал в себя многофигурные композиции с разнообразием цветов. Наконец, третий этап, 1918 года — «белое на белом», — характеризовался полным отказом от цвета и уходом в беспредметность.

Главное
Супрематизм был одним из самых влиятельных течений русского авангарда. Его изобретателем и главным идеологом стал Казимир Малевич, который стремился создать «абсолютное» искусство и выразить устройство мироздания с помощью элементарных геометрических форм и цветов. «Супремус 56» относится к стадии «цветного» супрематизма: композиции из балансирующих фигур словно парят в безграничном белом пространстве, залитом светом.

Супремус 56
Казимир Малевич, 1916. Холст, масло, 71 × 80,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург