Ретивый про-росток

в одну часть не-влезло. пришлось срочно рисовать вторую картинку, в 40 минут уложился.2. Красный. Нижний слой (имприматура): (архетип Творца-воина): ретивый подросток. На этой стадии художник, подобно Творцу-воину, создает нижний слой произведения, например используя красный цвет имприматуры. Тут он вводит динамику и энергию в будущую работу, рискуя и экспериментируя с формами и текстурами. В этом месте иные сразу делают в картине фактуры, например есть такая техника наносят слои строй краски оставшийся, а других проектов просто так для пастозного объема. По таким заготовкам, (которые очень долго сохнут) уже и делают картины. Именно на этом приеме погорели многие копировщики Рембрандта. Голландец не просто наваливал тонны краски он искал, рисовал одну картину на другую. В его портретах было 5-6 портретов, и от этого они и были такие объемные, а копировщики они просто формально в одном направлении вываливали краску. Фактурные грунты рулят. Кто-то на этом этапе отшлифовывает пемзой «небо», до идеальной гладкости. Этот этап в психостадиях может быть ассоциирован с архетипом начинающего-ученика, который порывисто стремится к самовыражению, автор тут несложен- он исследует свои физические возможности и проявляет мощь и силу. Современные авторы на этом этапе часто разбрызгивают, кидают, льют из банки. Если кинуть в холст растрепанную швабру, или прилепить тряпку в краске, то получается любопытно, фольга и целлофан тоже дают интересный эффект, но многие традиционно любят просто потеки. Это артистизм.

На этом этапе мастер наиболее понятен ученикам, потому что тут он не делает чего-то для них сложного, большая кисть, работа в стиле скорой неряшливой раскраски. В классике это второй этап — нанесение на грунт нижнего слоя краски, тональной подложки известной как имприматура. Это тонкое покрытие одним цветом (умброй например), возможно с размытыми и нечеткими границами, которое устанавливает общую тональность и атмосферу произведения. Потом от этой единообразной, цельной, середины можно будет что-то темнить, что-то высветлять. Художник выбирает цвет имприматуры в зависимости от своих предпочтений, грунта и желаемого эффекта, тут настройка подобное камертону в музыке. Так, на сером грунте легче выдержать живопись в серых тонах, на красном— в горячих тонах, на тёмном грунте — в тёмных тонах.

Все очевидно.Много написано о видах грунтов и проклеек: масляный, клеевой грунт, левкасный грунт Gesso, казеиновый, акриловый, эмульсионный грунт, иной раз имприматуру наносят водными красками, хотя все это масляная живопись. Колор, банки и тюбики, на этой ступени можно их обсудить. Делакруа по этому поводу сказал конкретно. "Дайте мне хоть уличную грязь, и я напишу тело женщины самого нежного цвета".Тоновая пропись. Здесь еще не палитра, а пигмент, «Банка» разведенного колора, иногда с пробелами. «Монохромный подмалевок» коричневый или красный. Красный что становиться со временем коричневым. Тут проявляется все естество автора его темперамент, тут возможно все. Себя тут автор не сдержит. Это царство размаха руки, дробной или порывистой кисти. Поэтому странно мне видеть иногда у великих мастеров на этом этапе «абы как», хаос мазков и как придётся, какая это «заборная лесенка», опрометчивая роскошь делать плохо. Какая есть в том безнадежность. Бездумность мазков, не о чем, но когда этапы, и соподчинённость слоев, тогда восхитительно! Нет на картине в нужных местах белой краски, а есть в легкую загрунтованный холст, и как это хорошо просвечивает, и больше ничего не надо! Есть в этом таинстве «тинктур» как называли краски древние, что-то есть сельскохозяйственное, поливка просушка, зрение. Все в зависимости от погоды. (архетип Творца-воина): Художник на этой стадии проявляет свою творческую силу и мастерство, воплощая свои идеи на холсте. Все созданное, намеренно или ненамеренно, обладает жизнью. Это фундамент картины позволяющий создать визуальное представление своей идеи и передать свои эмоции и сообщение через уточнение первоначального рисунка. Ренгенораммы показывают что на этой стадии задумка часто претерпевает глобальные изменения, добавляться или прибавляются персонажи, меняется композиция. Холст иногда показывает что масштабы и пропорции на эскизе были взяты неверно, холст в конце концов наставляют, как делал суриков в своей боярыне Морозове.Основы колорита лежат в системе структурного построения живописи, которую исследовали и предельно развили голландские художники. Закрепленный в прописи рисунков про тоновом разборе это уже почти «Колорит Рембранта», там даже уже и картин нет все сплошь колорит, и кронации в портретах. Голландцы стремились к нахождению гармонического сочетания тонов и цветов, основываясь на отношениях света и тени, теплоты и холода. В европейской технике масляной живописи того времени существовала проблема практического освоения законов основного полутона. Итальянцы шли другим путем, по тонированному холсту они делали разделённый гризальный рисунок, а потом уже добавляли сверху тонкими слоями цвета. Это метод «детской раскраски», по монохрому делали разноцветку.Еще известный художник-аналитик Ченнино Ченнини 1360–1440 гг. Прожил 80 лет и считал, что "полутон" является основной осью живописи, вокруг которой вращаются все световые и цветовые силы. Этот подход к колористическому поиску стал основным уже в голландской школе. Художники использовали тоновые планы и насыщенность цветов, чтобы передать атмосферу и настроение сцены. Схватить сразу все настроение картины на всем полотне, используя тоновые переходы и цветовые акценты. То что сегодня иногда называют работать «от пятен», то есть использование правильных полутонов и цветовых соотношений. Целостность элементов играет важную роль в создании живости и динамики картины, «пятнами» объединение предметов или областей, близких по тону или цвету, чтобы создать цельное и связанное изображение."Есть художники-прозаики и художники-поэты. Рифма, ритм и размер, дающий стихам силу, аналогичны скрытой в картине симметрии, искусному и вдохновенному равновесию, которое управляет столкновениями или расхождениями линий, пятнами и повторами цветов… Чтобы различить ошибку, разногласие, ложное соотношение в линиях и в цвете, нужны восприимчивые органы чувств и тонкая чувствительность". Прощупывание характера работы. Можно назвать этот момент «Блокировка»: На этой точке художник создает базовые формы и цветовые блоки. Он использует крупные мазки красок или плоские кисти, чтобы заполнить пространство на холсте и установить основные цветовые оттенки. Блокировка помогает создать основу для дальнейшей работы. Некоторые авторы ненавидят белоснежный холст и перед работой максимально его закрашивают, применяя цветные иприматуры. Есть те кто наоборот любит чистый холст и выкладывает сразу верные мазки, словно мозаикой-смальтой покрывая полотно, в котором все состоит сплошь из пробелов, они словно раскладывают пазл. Есть много завершённых работ которые выглядят как бы не докрашенными, в них присутствует изначальный фон и даже бывает явлен зрителю чистый холст без грунта. Метод "от пятна" является ключевым принципом при работе с техникой оптических просветов. Он предполагает, что объекты не состоят из двух отдельных частей — контура и внутренней области, а являются единым целым, которое мы называем "пятном". В этом подходе художник сосредотачивается на цветовых и тональных отношениях, а не на детальном разделении формы на контур и заполнение. Он стремится создать общую атмосферу и впечатление, используя пятна цвета и света, которые смешиваются и переходят друг в друга. Теплохоолность тон и соотношение близлежащий фрагментом. При работе от первичного пятна художник сосредотачивается на композиции и значимости цветовых отношений. Он исследует различные тоновые и цветовые значения, а затем соединяет их внутри холста, чтобы создать гармонию и равновесие. Это позволяет ему создать визуальные связи между объектами и формировать общее впечатление и атмосферу произведения. Надо путать работу «от пятна» с работой «от куска». Работа от пятна это всё-таки идея как-то побыстрей перезаполнять краской холст, работа куска это просто, «Рисуют», не обращая внимания на сам холст. Просто заполняют полотно, как принтер, двигаясь «по кускам». То есть картина находится в сознании художника, он ее просто выгружает на холст. Работать от пятна это как бы проявлять работу постепенно вытаскивать его из зыби холста, и ради этой магии поисков делать эти многочисленные слои, находить, объединять и терять эти самые пятна. Те кто работают от куска- холста не бояться с ним не воюют.Еще один просыл от неоимпрессионистов это стремление сохранять чистоту в своих красках и избегать их загрязнения на палитре. Вот такое правило. За исключением смешивания с белилами и смешения двух соседних красок всех оттенков спектра и их тонов, художники в арте аккуратно размещают чистые краски рядами и маленькими четкими мазками. Они используют тут уже оптические эффекты, отдельные пятна чистых красок, размещенные рядом, визуально смешиваются при рассматривании издалека, создавая впечатление гармонии свечения."Прямая линия не встречается в природе". "Первое во всяком предмете, что нужно уловить и передать рисунком, — это контраст главных линий". «Главные линии»-какое замечательное определение, как раз формируются на этом этапе. И вот здесь тонкость, их надо четко для себя зафиксировать эти поиски, может даже снять кальку с всей этой «мутной энергетики», и всего тут формируемого. Важно не упустить все эти струи, повороты, напряжения, локти и углы, потому что походу работы они сгладятся и растеряются, и вот их как раз и надо вспомнить на последнем этапе и в виде акцентов насильственно вернуть в картину все эти живые первичные импульсы. "Одна линия не имеет никакого значения; нужна другая, чтобы дать ей выражение. Великий закон: одна нота в музыке…". Эль Греко начинал свою работу с подготовительного рисунка на белом грунте, который затем покрывал коричневой краской, известной как жжёная умбра, таким образом, чтобы белый грунт был виден сквозь неё. Затем он переходил к моделировке форм, используя белила для создания светов и полутона. Особенностью его техники был удивительный серый перламутровый тон полутонов, который нельзя было достичь простым смешением красок на палитре.Убедительную иприматуру завершает мощный промежуточный слой лака. Тут рождается глубина ведущая к полному отрицанию всякой плоской окраски. Это создание оптических и цветовых преимуществ для следующих слоев.TULIP Sidewinder АЛЬБОМ The Witch3. Синий. Закладка тональных планов: (архетип матери воспитательницы) На этой стадии художник, воплощая архетип прородительницы создает гармонию и баланс, контролируя свет и тень. Тут все связанное с интуицией и инстинктом заботиться о создаваемом произведении. Эта стадия «подмалевка», для того чтобы передать цветовыми и тональными отношениями объемность и глубину произведения. Тут максимально проявляется все что было внесено на предыдущих стадиях, это усиление, связанное с разработкой и вниманием к деталям. Как правило современные мастера именно на этом уровне работают и останавливаться в освоении полотна. На этой стадии художник начинает создавать суть своего произведения, закладывая основные планы. Он работает с различными оттенками и цветами, чтобы установить основные светотени и тени, создавая объем и глубину. Это позволяет определить тепло холодность, формы и контуры объектов и создать начальную структуру произведения. Можно сразу писать полными красками и хорошо их импастировать, работать неразжиженными красками корпусным слоем. Цвет при помощи «оптической смеси», и два ее элемента: свет и локальный цвет. "Когда по краю какого-либо плана, который вы уже установили, вы положите немного больше света, чем в середине, вы передадите таким образом его грань или выпуклость; а сколько бы вы ни клали черного, моделировки этим не добьешься". Совет от Делакруа.Было классическое искусство, был и экстравагантный цветной импрессионизм, но пришли экспрессионисты обвели все контуром, притащили линию, и все поменялось. Они обвили все проволокой, укрепили ажуром графики, превратили живопись в витраж. Очень часто художники все контуры делают ярко-синим, в некоторых арт заведениях за это преследуют. Можно назвать этот рубеж. Детализация и слоение: Блюду метафоры барабана ввёл метафоры круга. А ведь классическая палитра то и есть «круг», даже с дырочкой. Чем не барабан Револьвера, заполненный образцами красок. В стандартной палитре есть дырка под палец. Но бывают и другие дырки, они совсем не под палец, они под глаз! Например, когда начинающий художник скрупулёзно подбирает цвета, для создания точной копии например, то он вымешивая колор рядом «с этой дыркой», он может его сравнить поднося палитру к оригиналу. Через дырку сразу видно, «попадает цвет или не попадает». Можно обойтись и без дырок просто надо разводить краски близко к краю палитры, и тогда тоже можно «подносить». Есть интересная по этому поводу фокусническая практика, угадывания колера «на глаз», но это уже больше походит к автосервисам по покраске авто. Иногда художники сличая замес подносят к оригиналу отдельные бумажки с выкраской. Расскажу, страшную историю, которую периодически рассказывают друг художники, как дурной пример. Все уверяют что они такое сами видели. Рассказывают про друга про учителя, про коллегу. Но по моему это все историческая байка про то как что горе художник делает копию музее никак не может подобрать правильный замес, и вот он от отчаяния прямо подходит к картине старого мастера в его доме музеи и прям на картину тыкает этой своей кисточкой с замесом. Там обычно речь идет про непопадание в «серый цвет». Но наверное многие музеи за столетия «практики» копят эти «мазючки».Beyond the Distance Dead End Finland4. Черный. В природе цвет, кажущийся однотонным, образуется из множества различных оттенков, которые видит только тот, кто умеет смотреть. Чернота и землистые краски первый признак плоской, однотонной живописи.Знаменательный момент- развитие деталей и цветовая обработка: (архетип отца- мастера): отец способен и удержать вокруг себя разнородных членов семьи, и примерить всех несогласных родственников. На этой стадии художник, воплощая архетип мастера-владыки, изучает и сводит воедино разнородности, вносит все спорные детали и проводит контрасты и цветовую обработку произведения. Влияние, помещенное в вещи, соответствует интенсивности чувства. Бывает автор именно здесь интенсивно использует черный цвет для создания контраста, глубины и выразительности. Этот этап является ключевым для развития деталей. Именно тут зарождаются «вибрирующие цвета», которые как бы теряют материальность красителей. «Воспитание красок». Тут происходит основная работа- то что воплощает силу и мастерство художника, здесь реализуется его отцовская ответственность за создание и развитие произведения. На этой стадии художник обращает особое внимание на детали, тщательно прорабатывает каждый элемент композиции. Он создает глубину и объемность с помощью светотени, добавляет текстуры и фактуры, что придает произведению реалистичность и выразительность. "Общий закон Делакруа: чем больше противоположения, тем больше яркости".«Холодные тени и теплые света, игра и борьба которых между собой и с локальным цветом определяют контур и моделировку, распространяются на всю поверхность картины, усиливая или смягчая свет, как этого требует светотень». "У Веронезе белая ткань холодная в тени, теплая на свету". "Нужно утрировать все тона. Рубенс утрировал, Тициан тоже. Веронезе иногда кажется серым, потому что он слишком искал правды…". "Что сказать о тех мастерах, которые только выявляют контуры, совершенно воздерживаясь от мазков?" Да, что сказать? Черный цвет играет важную роль во всем процессе. Он используется для создания контраста и усиления эффектов светотени. Черный может быть использован для акцентирования определенных деталей или областей произведения, что придает им особую силу и внимание. Архетип отца мастера также олицетворяет авторитет и опыт художника. Этот этап работы требует принятия решений и определенного мастерства в обработке цвета и деталей. Художник должен применить свои прошлые наработки чтобы достичь желаемого эффекта и передать свою индивидуальность через каждую деталь произведения. Часто ученические работы великих обладают подобной категорией, а потом эта струна «затихает». Что-то подобное они обретают только потом через много лет, (а иные уже и не обретают никогда) видимо это и есть тот опыт, что в ранние работы вкладывал их учитель. Баланс черного, когда видно что автор бывалый, бывал в бедах и знает как их избегать, и куда соваться не стоит, (по опытности). Таким образом, черный цвет и архетип отца мастера важны на этой стадии работы над живописным произведением, поскольку они помогают художнику развить детали, придать произведению глубину и выразительность, а также проявить свое мастерство и индивидуальность в творческом процессе. На этой стадии художник начинает добавлять более мелкие детали и уточнять элементы произведения. Он может работать с более тонкими кистями и наносить более детализированные штрихи, чтобы придать произведению реалистичность и выразительность. Кроме того, художник вносит цветовые акценты и использует различные оттенки для создания насыщенности и гармонии в цветовой гамме произведения.Оживляя цвет вибрацией и переходом тонов, художник создает третий цвет путем оптической смеси двух соседствующих цветов. Именно этим остроумным способом он достигает наиболее редких и удивительных красочных сочетаний, а не простым смешением красок на палитре. Если ему нужно изменить какой-либо цвет, ослабить или усилить его, он не смешивает его с противоположным цветом, что может затемнить его или испортить его чистоту. Вместо этого он наносит на него легкие штрихи, лесировки которые изменяют оттенок цвета, сохраняя его оригинальную яркость и чистоту.Палитра и смешивание красок: тут возникает гамма. Слои и перекрытия: Часто работа на холсте включает использование нескольких слоев красок, и тут можно сильно увлечься.Например. "Кувшинки" — одна из самых знаменитых серий картин Клода Моне. Сначала художник начал работать с изображением пруда, но затем перешел к ярким и впечатляющим "Глициниям". Картина с "двойным изображением" была создана в период между 1917 и 1920 годами, ближе к концу жизни Моне. К этому времени он уже был известным и востребованным художником, поэтому маловероятно, что он использовал один и тот же холст для нескольких разных картин в целях экономии. Существует предположение, что Моне, вероятно, хотел провести эксперимент, начав с изображения кувшинок и попытавшись перейти к глициниям. Однако в результате он остановился на полном изображении глициний, возможно, потому что ему удалось захватить красоту и эфемерность этих цветов в полной мере.Time To Be King Masterplan АЛЬБОМ Time To Be King5. Желтый. Финальная отделка: (архетип Критика) старушка ведунья: На финальной стадии работы, художник воплощает архетип Критика, представленный в образе ворчуна, придающей произведению последние штрихи. Используя акценты, художник вносит дополнительные детали, осветляет и тонирует определенные области произведения. В роли критика, «мудрая внутренняя ведунья- интуиция» внимательно оценивает произведение и подсказывает художнику, какие последние корректировки и улучшения могут быть сделаны для достижения желаемого эффекта.Финал мудрость и опыт, который художник применяет в завершающей отделке. Она может использовать свои магические способности, чтобы придать произведению дополнительную глубину и символическое значение, создавая в нем нечто особенное и уникальное. На последней стадии масляной живописи художник проводит окончательные штрихи и проводит финальную отделку произведения. Он может регулировать контрастность, яркость и насыщенность цветов, чтобы достичь желаемого эффекта. Также в этой стадии художник может добавлять текстуры и дополнительные элементы, чтобы придать произведению глубину и интересность. (архетип Критика) это символическое добровольное уничтожение произведения, так как художник все подвергает сомнению, ищет слабые места, он на этой стадии анализирует свою работу, оценивает ее эффект и качество. Он может переосмыслить свои идеи, искать слабые места и возможности для улучшения произведения.Лесировка и переходы: лесируя можно поправить цветовое равновесие и общую гармонию работы.Детализация и текстуры: Чтобы создать реалистичные или выразительные элементы в произведении, художник может использовать различные методы детализации и добавления текстур. Цвет имеет наибольшую прелесть, когда его оживляют переливы оттенков и тонов. Этап может включать использование мелких кистей для нанесения деталей, использование специальных инструментов для создания текстурных эффектов, что-то можно соскребать сошлифовывать, где-то можно добавить промежуточный слой лака. Верхний подмалёвок, тонирование и освещение: Художники могут использовать техники застраивания, благородного «желтения», была такая мода в начале 19 века, или оживки для создания объема и особой свежей атмосферы в своих произведениях. Авторы могут использовать светотеневые эффекты, играть с оттенками и контрастами, чтобы создать глубину и привлечь внимание зрителя. Желтые нимбы, блики, солнечные пятна. Тут все и ради выравнивается цвета. Свет и тени образуют одно гармоничное, красочное, удивительно уравновешенное целое. Многочисленные и мощные элементы сливаются в одну мелодию ради равновесия и баланса. На этом этапе окончательной сборки (в ремесленной мастерской) как раз может проявляться учительское умение мастера работать «аля прима», когда нелепые неудачные работы, откровенно плохие, замученные подмастерьями учитель буквально несколькими мазками преображает, делает из них шедевр. Было бы что исправлять! Зачастую маэстро лениться, бережет себя от рутины-лепки, он составляет работу уже из готовых кубиков, он дожаривает сырое- ученическое. Тут и отдельный жанр коллажа, и когда по бракованным учебным работам мастер делает что-то свое, убирает за студентами бездарное, роиться в их мусоре, и ему все равно. Для гения нет «испорченного», неудачного, был бы холст, все он берет в переработку, доводит да кондиции и чужие ясные ему впечатления.Касания, акценты. На этом пункте надо вернуться к эскизам и понять на сколько «в приключении» вы отклонились от первоначального замысла, тут можно пусть по крохам, но что-то вернуть, усилить размытое. Финальная отделка это уже и странная возможность перейти в режим «круга поновлений» и исправлений, тут можно приглашать сторонних советчиков, и учителей, искать ошибки, брать паузы чтобы глаз отдохнул. У психотерапевтов тоже есть психотерапевты! У мастеров тоже есть их старые учителя, и тренеры. Интересно, когда проект долгий то он скоро утрачивают свою свежесть, и тут надо понять, надо ли вернуть ему эту самую модность? Как? Надо ли брать в расчет политические изменения которые произошли за время написания «большой картины». Злободневность в долгую. Великий Френческо Гойя как-то вот умудрялся учитывать, тенденции ведь его век был веком революции, изменений колеров и флагов. Процесс предпоказа также включает в себя проверку и корректировку любых недочетов или несоответствий. Художник может начать переделывать или вносить последние поправки, подчеркивать некоторые детали или сделать окончательное решение по произведению. Завершающие штрихи и подпись: Когда произведение готово, художник может добавить дату, внести последние корректировки и подписать свое имя или поставить печать на произведении. О, сколько разменялись посвятительные слова! Взвод курка. Рамка и оформление: Чтобы придать завершенный вид произведению, художник может выбрать подходящую рамку и оформление. Рамка не только защищает холст, но и подчеркивает его эстетическую ценность, создавая единое целое с произведением и подчеркивая его стиль и настроение.Поворот барабана. Сушка и фиксация: После завершения работы над живописным холстом необходимо дать краскам полностью высохнуть. Это может занять некоторое время в зависимости от используемых материалов и толщины слоев красок, часто картина сохнет уже у заказчика. После полной сушки художник может применить фиксатор, лак чтобы закрепить цвета и предотвратить их выцветание или размывание. Ну и какая же достойная картина обойдётся без имитации кракелюра! Я и начинал «с плоти» и закончить тоже можно с «кроличьей шкурки», и коллагена. Самый древний лак -это вощение картины свежими шкурами больших и маленьких зверей.Экспозиция и публикация: После завершения работы над холстом художник может решить явить его публике. Это может быть выставка, галерея или онлайн-платформа, где зрители могут оценить и насладиться произведением. Экспозиция и публикация помогают художнику продемонстрировать свое мастерство и поделиться своим творчеством. Это как последний выстрел из револьвера, и пустота крутящегося барабана.Light in You.Dark Sarah, Tony Kakko АЛЬБОМ Behind the Black Veil6. Это пустой слот. Созерцание и завершение: (архетип Созерцателя): После завершения финальной отделки наступает момент непредвзятой оценки произведения. Художник отдает, препоручает арт «времени», он отступает «на шаг назад» и созерцает свое произведение с уважением и пониманием. Хорошие драгоценности почти всегда старые.Как созданное повлияет на карьеру? Архетип постороннего помогает художнику проникнуть в глубину своего творчества, раскрыть его символический и эмоциональный смысл. Художник осознает влияние архетипа в каждой стадии работы. Твои ли мысли тут автор, или чужие привнесли свою энергию и особенности в произведение? В этой фазе художник может оценить, насколько успешно удалось выразить задуманную идею, выразить свои мысли и эмоции на холсте. Он может осознать, что произведение обладает своей уникальной энергией, которая взаимодействует с зрителями, вызывая у них отклик и восприятие.Зрительство помогает автору найти гармонию в своем произведении. Оно также помогает художнику увидеть свое творчество с новой перспективы и найти вдохновение для будущих работ. Это тоже серьезная точка, если к такому аспекту отнестись без внимание, то можно погрузиться в «послеродовую депрессию».Как можно переключаться мимо слотов? Теперь немножко расскажу, как можно игнорировать определенные этапы, и не нарушить все эти связи. Технологии. Например, художник просто делает мощную, проработанную имприматуру, пусть это будет чернота техники киараскуро, возникнут какие-то темные силуэты- пятна. По ним сразу же наводится блики, выхватываются пятна цвета, рисуется, какие ни будь важные детали, которые «бликуют» на свету. Например это лица героев в пламени факелов. «Ночь», пара бликов и работа уже закончена. Никакие сложные узорчатые латы рисовать не надо, просто выставил блики в темноте и как будто там уже движется какой-то «дозорный войн». Над прической тоже не работают, нарисовали красиво глаза блестящие их черноты и этого достаточно. Обманка. Зритель сразу увидел качественно нарисованную деталь, пошел дальше и не понял, что на картине ничего кроме темного фона и не было. Есть прием нарушения послойной технологии такой, художник рисует максимально яркие, цветные фрагменты картины, вообще не используя черный цвет. Потом достаёт «банку» черного или коричневого и начинает уже работать с тоном? Приглушает этот цвет, «фузой», грязнит. И я уже показывал как работает итальянская классическая схема, когда сначала на картине все делается в технике, монохрома, а потом просто сверху тонкими слоями раскрашивается, с хорошей экономией краски. BEAST IN BLACK — Blind And Frozen